Médiathèque Ermes

La carrière du compositeur américain John William commence dans les années 1960, avec des films comme Le Seigneur d’Hawai de Guy Green (1962) ou encore Deux minets pour Juliette de Norman Panama (1966), mais les années 1970 vont lui ouvrir les portes, grâce à deux rencontres exceptionnelle.

Première rencontre : Steven Spielberg, en 1974, pour Sugarland Express. Ce film marquera le début d’une très longue collaboration entre le compositeur et son réalisateur fétiche.  Sur les cinq oscars gagnés par John Williams trois d’entre eux sont pour des films de Steven Spielberg. Ensuite, on remarque que le compositeur est le reflet musical du génial réalisateur américain, aussi à l’aise dans la SF que dans le drame, dans l’aventure que dans la comédie, dans le film historique que dans le film pour enfants. 

La seconde rencontre qui changera à jamais la carrière de John Williams, c’est sa rencontre avec George Lucas, dont il signera la bande originale de tous les Star Wars. Le compositeur surdoué, fils d’un percussionniste de jazz, et pianiste depuis l’enfance, a trouvé sa marque de fabrique dans la saga Star Wars. La création de thèmes marquant pour chaque personnage. C’est cette force qui a fait de John Williams le compositeur évident des trois premiers Harry Potter, signant là trois de ses plus grandes œuvres musicales. 

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Toujours imité, rarement égalé, Hans Zimmer a métamorphosé la façon de composer les musiques de films. Après des débuts prometteurs (on se souvient encore des BO de Rain Man ou de Miss Daisie et son chauffeur), le compositeur allemand, naturalisé américain, a su mettre Hollywood à sa botte dès 1994, avec Le Roi Lion du studio Disney, qui lui permettra de décrocher son seul Oscar de la Meilleure Musique de film de sa carrière. Cors puissants, basses plus puissantes encore, parfois accompagnés de guitares électriques, accompagnent dès lors l’oeuvre musicale de Zimmer, qui compose tout directement par ordinateur. "Pirates des Caraïbes, Inception, The Dark Knight, Gladiator, Interstellar, Man of Steel", on ne compte plus les chefs d’oeuvre de ce génie hors du commun.  Aujourd’hui, Zimmer est moins présent, et semble vouloir se renouveler, expérimenter de nouvelles choses, comme l’ont démontré les magnifiques BO de "Interstellar" (avec ses orgues) et "Dunkerque" (rythmé par le tic-tac de la montre du réalisateur Christopher Nolan). Zimmer a réinventé la façon de composer la musique de films dans les années 2000-2010. 

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Morricone a tout fait, tout maîtrisé. Ses collaborations avec le gigantesque Sergio Leone (Le Bon, la Brute et le Truand, Il était une fois en Amérique et autres chefs d’oeuvre du western spaghetti) font partie de notre culture à tous, à tel point qu’ils forment une mythologie du cinéma, dont Morricone est un des dieux incontestés. Ce serait une idée reçue que de penser que Morricone s’est seulement cantonné au genre western. Il fut aussi particulièrement remarqué dans le registre de l’horreur, avec "The Thing" de Carpenter, mais également dans les films de gangsters, avec "Les Incorruptibles", un des meilleurs films de Brian De Palma, ou encore "Le Clan des Siciliens" de Henri Verneuil. Cette remarquable aisance d’Ennio Morricone à voyager entre les genres (westerns, gangsters, SF, etc) et entre les pays (Italie, Etats-Unis, France), on la retrouve également dans sa faculté à varier les styles de musique, de la pop à la symphonie, en passant par des sons plus électros, ou encore l’utilisation merveilleuse de la voix humaine. Il reçoit son premier Oscar pour la Meilleure Musique de film. À l’age de 87 ans !!!

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Talentueux compositeur des premiers James Bond, John Barry s’est essayé à tous les genres cinématographiques pendant sa carrière. Son style efficace et populaire, sa mélodie hors pair, dont le style est vite identifiable, font de lui un des plus importants compositeurs de musique de films contemporains. Dès son enfance, il apprend le piano grâce à une mère pianiste classique. Surdoué, il joue également de la trompette, instrument déclencheur, d’une passion pour le jazz, qu’il ne cessera de démontrer. Le petit Barry a une autre passion, le cinéma. Les salles de projection que son père possède, lui permettent d’abreuver sa soif de cinéma. Film après film, il prend très vite conscience de l’impact que peut avoir la musique sur l’image. Il sait désormais la voie qu’il a à suivre. C’est la mise en avant de l’orchestre sur la scène anglaise qui lui permet de multiplier les rencontres, notamment celle avec Adam Faith, le chanteur et comédien du film d’Edmond T. Gréville, « Beat Girl » en 1959.
C’est John Barry qui en fera la musique, signant sa première partition pour le cinéma. Première d’une liste riche de plus d’une centaine de longs-métrages. Le musicien aura aussi été récompensé par 5 oscars (4 pour la meilleure musique et 1 pour la meilleure chanson),  notamment avec « Out of Africa » (1985) et « Danse avec les loups » (1990).

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À Hollywood, il est l'une des légendes vivantes de la musique de film. Et pour cause : James Horner compte quatre-vingt-dix bandes originales à son actif.  A cinq ans, il commence à jouer du piano et intègre le Royal College of Music de Londres avant de poursuivre ses études à l'université de Californie du Sud. Au cours des années 1970, tout en préparant son doctorat, il enseigne la théorie musicale à l'UCLA et réalise des compositions pour l'American Film Institute. C'est à la suite de ces premières tentatives qu'il décide de se consacrer aux bandes originales. En 1980, on lui doit la BA des Mercenaires de l'espace, de Jimmy T. Murakami.

Parmi ses nombreuses oeuvres figurent les bandes originales des deux plus grands succès de l'histoire du cinéma : Avatar en 2009 et Titanic en 1997, qui lui valut deux oscars - meilleure musique et meilleure chanson, interprétée par une certaine Céline Dion.  En 2015, quelque peu écoeuré par Hollywood, il accepte de réaliser une commande du duo norvégien Hakon et Mari Samuelsen (des frère et soeur), un double concerto pour violoncelle, violon et orchestre. C'est une première incursion, hypnotique et lancinante, dans l'univers classique depuis le début des années 1980. Le 22 juin 2015, il se tue aux commandes de son petit avion. 

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Fils d'un père professeur et d'une mère écrivain, c'est vers la musique que Danny Elfman va se tourner très jeune. A l'âge de 18 ans il part à Paris avec son frère et le groupe qu'ils fondèrent : the Mystic Knights of the Oingo Boingo . Richard, le frère de Danny, fait dès 1980 ses premiers pas dans la réalisation avec un film délirant dont le groupe composa la musique et où les frères jouèrent même de petits rôles (Danny Elfman jouant le rôle de Satan).  Mais c'est en 1985 qu'Elfman fait la rencontre qui déterminera sa carrière : le jeune réalisateur et fan de Oingo-Boingo Tim Burton. Il compose alors sa première bande originale orchestrale pour le premier film de Tim Burton et ils démarrent ainsi leurs carrières en trombe ensemble avec "Pee Wee Big Adventure". Il deviendront inséparables.
Dès 1989, ce fan imodéré de Bernard Herrmann devient mondialement connu et reconnu grâce aux thèmes de la série "Les Simpson" ainsi que la bande originale de "Batman". L'année suivante, il compose la bande originale de "Darkman" et débutera une autre longue et fructueuse collaboration avec le metteur en scène Sam Raimi. 
En 1993, il s'impose comme l'un des trois principaux initiateurs du film "L'Etrange Noël de M. Jack"  d'après l'idée de Tim Burton et réalisé par Henry Selick. Il composera, écrira les chansons et sera l'une des deux voix qui incarnent le personnage de Jack Skeletton, lui offrant une caractérisation toute particlulière. 
Danny Elfman est probablement l'un des compositeurs les plus populaires, les plus prolifiques et les plus en vogue à Hollywood aujourd'hui bien qu'il n'ai reçu aucunes des distinctions majeures américaines. Il a, en autres, travaillé pour des metteur en scène fascinants et variés tel que : Brian De Palma, Warren Beatty, Peter Jackson, Taylor Hackford, Gus Van Sant, Ang Lee...

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Contre la volonté de son père, Maurice Jarre part étudier les percussions, la composition et l'harmonie au Conservatoire de Paris. Il est notamment l'élève du compositeur Arthur Honegger et de Joseph Martenot, l'inventeur des Ondes Martenot, l'un des premiers instruments de musique électronique.
Maurice Jarre occupe successivement les postes de timbalier de l'orchestre de la Radiodiffusion française, entre 1946 et 1950, et de directeur du département musique du Théâtre national populaire jusqu'en 1963.  C'est grâce au réalisateur Georges Franju, qui lui demande de composer la musique de son premier court-métrage documentaire, Hôtel des Invalides (1952), que Maurice Jarre débute une carrière de compositeur de musiques de films. S'ensuivent des projets similaires avec Alain Resnais, pour "Toute la mémoire du monde" , et avec Jacques Demy, pour "Le Bel indifférent". Mais c'est encore Franju qui lui donne sa première occasion de participer à un long-métrage, avec "La Tête contre les murs". Suivront "Les Yeux sans visage", "Pleins feux sur l'assassin", "Thérèse Desqueyroux" et "Judex".Après la composition de la bande originale du film de Ken Annakin "Le Jour le plus long", la carrière de Maurice Jarre prend son envol avec celle du chef-d'oeuvre de David Lean "Lawrence d'Arabie" pour laquelle il remporte un premier Oscar. Cette collaboration fructueuse lui vaudra d'en recevoir deux autres pour les musiques de "Docteur Jivago" et "La Route des Indes"  également honorées d'un Golden Globe, comme le seront celles de "Gorilles dans la brume" de Michael Apted et "A Walk in the Clouds" d'Alfonso Arau.

Nino Rota est né le 3 décembre 1911 à Milan, dans une famille de musiciens. Il étudia, dès son enfance, au conservatoire de Milan, sous la direction d'Ildebrando Pizzetti. Il acquit une certaine renommée en tant que compositeur et chef d'orchestre dès son enfance, son premier oratorio, L'infanzia di San Giovanni Battista, ayant été par exemple représenté à Milan et à Paris en 1923, alors qu'il n'avait que douze ans. En 1929, il intégra le conservatoire Sainte-Cécile, à Rome, où il étudia sous la direction d'Alfredo Casella.

Rota écrivit ses premières partitions pour le cinéma dès 1933 pour "Treno popolare" de Raffaelo Matarazzo, puis pour "Zazà", film réalisé par Renato Castellani. Il travailla aussi pour Edgar G. Ulmer, Alberto Lattuada, Henry Cass, Luigi Comencini, Terence Young et Henri Verneuil. Il fit la connaissance du réalisateur Federico Fellini, alors que celui-ci travaillait sur son premier film, "Le Cheik blanc" Ce fut le début de nombreuses collaborations entre le réalisateur et le compositeur, comme pour "Les Vitelloni", "La strada", "La dolce vita". La bande sonore du film "Huit et demi" est souvent citée comme un des éléments les plus marquants du film, qui lui donne une certaine « cohérence ». Il est aussi l'auteur de la musique du "Satyricon", d'"Amarcord", de "Casanova" et de deux des quatre sketches de "Boccace 70". Son dernier travail avec Fellini est "Répétition d'orchestre", un de ses chefs-d'œuvre. 
Parmi les partitions les plus célèbres de Nino Rota, citons également celles du "Parrain" (qui comprend un motif musical proche du thème de "La Force du Destin" de Verdi) et du "Parrain II", réalisés par Francis Ford Coppola, et de "Roméo et Juliette", réalisé par Franco Zeffirelli ou celles du "Guépard" ou de "Rocco et ses frères" de Luchino Visconti.

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Michel Legrand, né le 24 février 1932 à Paris et mort le 26 janvier 2019 à Neuilly-sur-Seine, est un musicien, compositeur, pianiste de jazz, chanteur et arrangeur français puis naturalisé américain. Sa carrière de compositeur pour le cinéma lui a valu de remporter trois Oscars.


Ses deux dernières compositions pour le cinéma ont été pour des films de Xavier Beauvois : "La Rançon de la gloire" avec Benoît Poelvoorde et Roschdy Zem  puis "Les Gardiennes" avec Nathalie Baye et Laura Smet. Il a composé en tout plus de deux cents musiques pour le cinéma et la télévision.

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